アメリカではオーティス・レディングやアレサ・フランクリン（60年代後半〜70年代初頭あたり）が知名度の高いサザンソウル・シンガーになるのだろうが、日本では彼らよりオーティス・クレイのほうが愛されているのではないか。今回紹介する彼の『愛なき世界で（原題：Trying To Live My Life Without You）』は、ハイ・レコードからのデビューアルバムである。1978年の伝説の初来日公演後には彼のファンが一気に増え、さかのぼって本作を購入することでサザンソウルの魅力に取り憑かれてしまったリスナーは少なくないはずだ。鉄壁のハイ・リズムとメンフィス・ホーンズをバックに、誠実さをにじませたソウルフルなクレイのヴォーカルは今聴いても全く古びておらず、傾聴すべき名作に仕上がっている。

アメリカでは公民権運動やベトナム戦争の激化と呼応するかのように、60年代前半は政治的なスタンスを持つプロテストフォークに大きな注目が集まっていた。ボブ・ディランの代表曲のひとつである「風に吹かれて（原題：Blowin’ In The Wind）」（’63）は、抽象的で文学的な歌詞と語りかけるようなヴォーカルで、フォークの可能性を広げることになった。63年７月に出演した『ニューポート・フォーク・フェスティバル』では大喝采で迎えられるなど、新時代のフォークシンガーとして頂点に立つのだが、同時期にビートルズをはじめとしたイギリスのロックグループと接することで、生ギター１本での活動に限界を感じ、徐々にロック的な表現に傾倒するようになる。ディランの6枚目のアルバムとなる本作『追憶のハイウェイ61（原題：Highway 61 Revisited）』（’65）は、フォークのエッセンスとロックサウンドが巧みに融合されたそれまでにない新しいスタイルを持っており、その後のロックの進化に大きな影響を与えることになる。

2021年の現在、アール・クルーがどういう位置付けなのかは分からないが、多くのギターファンはイージーリスニング的なフュージョン音楽のアーティストとして見ているのではないだろうか。確かに彼の音楽は1976年のデビュー直後から天気予報や道路交通情報のBGMとしてかなり使われているし、ガットギターを指で弾くというスタイルだけに、かなりソフトな曲が多いのは間違いない。特に日本でも多くの人気を集めた4thソロアルバム『マジック・イン・ユア・アイズ』（’78）あたりからはほぼイージーリスニング路線で勝負しているので、それ以降に彼の音楽に魅せられた人にとってはハートウォーミングな優しいギターが何よりの癒やしになっているのも事実だろう。しかし、ブルーノートからリリースしたデビューアルバムの『アール・クルー』（’76）や、2ndアルバムの本作『リヴィング・インサイド・ユア・ラブ』で聴くことのできる攻めのギタープレイは、ワイルドな瑞々しさにあふれている。

シカゴは1stアルバムの『シカゴの軌跡（原題：The Chicago Transit Authority）』（’69）、2nd『シカゴと23の誓い（原題：Chicago）』（’70）、3rd『シカゴ III（原題：Chicago III）』（’71）と、新人であるにもかかわらず、3枚続けて2枚組でのアルバムリリースを果たしている。そして、4枚目となる初のライヴ盤『シカゴ・アット・カーネギー・ホール』（’71）は何と4枚組（当時の日本盤LPは7,800円！）でのリリースという、貧乏学生泣かせのグループであった。今回紹介する本作『シカゴ V』（’72）は彼ら初の一枚もののアルバムで、ここにきてようやく彼らのアルバムを入手できた若者は少なくなかったはずだ（当時中学生の僕はそうだった）。大ヒットしたシングル「サタデイ・イン・ザ・パーク」（全米３位）の収録もあって、本作は全米1位を獲得することになる。前３作のスタジオアルバムでは、３管を擁したパッション溢れる演奏と政治色の濃い硬派のイメージがあったが、本作はロックグループとしての熟練すら感じられるすっきりとした仕上がりになっており、それまでの集大成とも言える彼らのエッセンスが凝縮された傑作である。

2018年にリリースされた『アウトロー＆アルマジロ：カントリーの騒然たる70年代（原題：Outlaws & Armadillos：Country’s Roaring ‘70）』はアウトローカントリー（レッドネック・ロックとも言う）好きか、70ｓシンガーソングライター好きの一部には伝わるかもしれないが、多くの音楽ファンにはその内容がまったく見えないアルバムかもしれない。毎年、テキサス州オースティンで開催される『SXSW（サウス・バイ・サウス・ウエスト）』は、今では音楽イベントだけにとどまらない巨大フェスとして知られている。では、なぜニューヨークでもロサンジェルスでもないオースティンでこんな大きな音楽イベントが開かれているのかというと、それはオースティンが音楽の街としてアメリカ中に認知されているからである。オースティンが音楽の街として知られるようになったのは、本作のジャケットにも登場するウィリー・ネルソンとウェイロン・ジェニングスに代表されるアウトローカントリーの代表的アーティストによる活躍と、アルマジロ・ワールド・ヘッドクォーターズという奇妙な名前を持ったライヴホールの存在があったことにほかならない。

ジェフ・ベックは「生きている中では最高のギタリスト」と言い、パット・メセニーは「世界で最も偉大なギタリスト」と語った。ジミー・ペイジにギターを教えていたこともある…それがジョン・マクラフリンである。彼がいなければ、ロックとジャズの風景は今とは違ったものになっていただろう。今回取り上げるマハヴィシュヌ・オーケストラの『火の鳥（原題：Birds of Fire）』は、マクラフリンが中心となって結成されたジャズロックグループの2ndアルバムである。メンバーの超絶テクニックと息苦しいまでの緊張感、そしてスピリチュアルな側面が味わえる傑作だ。今ではジャズロックやフュージョンにカテゴライズされているが、リリースされた当時は当てはまるジャンルが存在しなかったために、プログレとして紹介されることもあった。

1969年、デュアンとグレッグのオールマン兄弟を中心に結成されたオールマン・ブラザーズ・バンド（以下、オールマン・ブラザーズ）は、デビューアルバムの時点で、それまでのロックにはなかった新しいスタイルを提示してみせた。もちろん、デュアン・オールマンの卓越したギターワーク（スライドだけでなく指弾きのプレイも素晴らしい）だけでもロック史に残るが、何より重要なのは、ツインリードギターやツインドラムといった形態から生まれるダイナミックなサウンドが特徴の「サザンロック」という新たなジャンルを生み出したことだ。今回取り上げる彼らの2ndアルバム『アイドルワイルド・サウス』（’70）は、ブルース色の濃かったデビューアルバムと比べると、R&B、カントリー、ラテンなどの音楽を採り入れ、より柔軟なサウンドになっている。『アイドルワイルド・サウス』こそがサザンロックの源流であり、70年代アメリカンロックの進むべき道を決定づけただけでなく、90年代に登場したジャムバンドの原型ともなった傑作である。

リタ・クーリッジと言えば、日本ではボズ・スキャッグスの「ウィ・アー・オール・アローン」のカバーヒットをはじめとしたポピュラーシンガーとして知られている。しかし、彼女はソロ歌手としてデビューする前後（60年代後半から70年代前半）にかけては、エリック・クラプトン、ジョージ・ハリソン、ジョー・コッカー、デラニー＆ボニー、ジミ・ヘンドリックス、ボブ・ディラン、スティーブ・スティルス、グレアム・ナッシュらのレコーディングに参加するなど、ロック界で最も光り輝いていたセッションヴォーカリストであった。今回取り上げるのは、彼女のソロ第2作となる『ナイス・フィーリン』で、豪華なメンバーが参加した1stソロアルバム『リタ・クーリッジ』（’71）と3rdソロアルバム『ザ・レディース・ノット・フォー・セール』（’72）に挟まれているだけに存在は地味だが、本作はスワンプ系ロックを代表する傑作のひとつである。

アース・ウインド＆ファイア（以下、EW&F）と言えば、日本では「宇宙のファンタジー」「セプテンバー」「ゲッタウェイ」「ブギ・ワンダーランド」といったディスコヒットで知られるが、本作『灼熱の饗宴（原題：Gratitude）』は収録曲13曲（LP発売時は2枚組）のうち8曲がライヴで、本格派のファンクグループとして圧倒的なパフォーマンスが繰り広げられる傑作である。冒頭の短いMCから重量級のファンク「アフリカーノ／パワー」へと続く流れは、タワー・オブ・パワーの『ライヴ・アンド・リビング・イン・カラー』の冒頭部分と並び、いつ聴いてもワクワクする。今回は彼らがディスコで人気を集める少し前の、ロックフィールを持ったファンクバンド時代の代表作を取り上げる。

ジャズロックという範疇では、ソフト・マシーン、ニュークリアス、ブライアン・オーガー、ヘンリー・カウといったイギリス勢の豪華な布陣に比べて、アメリカのグループはとても少ない。それは、そもそもジャズロックがイギリスの得意とするプログレや実験音楽と密接な関係にあるからだろう。アメリカにおいて、イギリスのジャズロックと似た性質を持つのはブラスロックかもしれない。才人アル・クーパーが1967年に結成したブラッド・スウェット＆ティアーズ（以下、BS&T）はブラスロックの先駆けとして知られるが、その少し後にはシカゴやチェイスなどの人気グループの登場でブラスロックは日本でも市民権を得る。今回取り上げるブレッカー・ブラザーズの『ヘヴィ・メタル・ビ・バップ』は、彼らの4枚目のアルバムで、ブラスロックとジャズロックのスピリットを持った硬派のフュージョン作品である。ドラムにはフランク・ザッパのバックを務めていたテリー・ボジオを迎えている。1曲目以外はライヴ収録ということもあって、ボジオの激しいプレイが他のメンバーを煽りまくっており、彼らのアルバム中、最もラディカルな仕上がりとなっている。

ジェフ・ベックは類いまれなテクニックを持ったギタリストである。今から半世紀ほど前にはエリック・クラプトンやジミー・ペイジと並んでブリティッシュロック・ギタリストの御三家として当時のロック少年たちから崇拝されていた。しかしベックは、例えばクラプトンの「クロスロード」（クリーム）やペイジの「胸いっぱいの愛を（原題：Whole Lotta Love）」（レッド・ツェッペリン）といった鉄板となる曲に恵まれず、ギターのテクニックはピカイチであっただけに、それだけがファンにとっては悔やまれるところであった。

60年代の終わりから70年代初めの頃、プログレのアーティストはリスナーにグループのイメージを植え付けるために努力した。キング・クリムゾンの『クリムゾン・キングの宮殿』（‘69）、エマーソン・レイク＆パーマーの『EL&P』（’70）、『タルカス』（’71）、イエスの『こわれもの』（‘71）、ムーディー・ブルースの『童夢』（’72）など、プログレッシブロックという新たなジャンルの音楽を定着させる（理解してもらう）ために、さまざまな創意工夫が見られたものである。音を聴かずともジャケットを見ただけで“プログレっぽさ”を醸し出すのは、並大抵の才能ではないと思う。今回取り上げるピンク・フロイドの初期の代表作『原子心母（原題：Atom Heart Mother）』（‘70）のジャケットは、見ただけではどんな内容なのか分からないものだったが、当時のロック少年たちには響いた（僕も含めて）ようで、日本の多くのロックファンが聴きまくった作品のひとつである。もちろん本作は内容も素晴らしく、当時の若者たちの「プログレとは何か？」という問いに応えてくれるアルバムであった。

この11月、新型コロナの感染が世界的に拡大していた4月に、ドリー・パートンがアメリカ・ヴァンダービルト大学のメディカルセンターに治療法の研究費として100万ドル（1億円強）を寄付していたことが分かった。日本ではカントリー系音楽の人気があまりないためかドリーの名前はあまり知られていないが、彼女は音楽界だけにとどまらないアメリカショービジネス界の巨人ともいうべき天才的なアーティストである。例えば、93年に故ホイットニー・ヒューストンが歌って450万枚を超えるモンスターヒットとなった「オールウェイズ・ラブ・ユー（原題：I Will Always Love You）」はドリーの作詞作曲であるし、グラミー賞受賞回数は9回、ビルボードのカントリーチャートで1位を獲得した曲は25曲にも及ぶ。また、ピアノやギター以外にも数種類の楽器を操るマルチ・インストゥルメンタリストとしても知られ、他にも女優や実業家としても大成功を収めているアーティストなのである。今回は彼女がソングライターとして頭角を現し始めた、70年代中期の13thアルバム『ジョリーン』（’74）を取り上げる。

1977年9月16日、Ｔ・レックスのリーダー、マーク・ボランは内縁の妻で歌手のグロリア・ジョーンズが運転する車の自動車事故によって即死、享年29歳であった。このニュースがテレビや新聞で取り上げられた時、熱心なファンを除いて日本ではすでに忘れられた存在であったが、イギリスにおいては彼の音楽やファッションは連綿と生き続けており、そのカリスマ性は世界中のアーティストに大きな影響を与え続けている。今回はセンシティブなフォークデュオからスタートしたボランがポップスターへと変身するきっかけとなった大ヒットアルバム『電気の武者（原題：The Electric Warrior）』（‘71）を取り上げる。

1979年、ジョン・ホール、ジャクソン・ブラウン、ボニー・レイット、グレアム・ナッシュらが中心となって核撤廃の未来を呼びかける団体『ミューズ』が結成され、同年９月19日から23日までの5日間にわたってマジソン・スクエア・ガーデンでコンサートが開催された。本作『ノー・ニュークス 〜ミューズ・コンサート・ライヴ！〜』は、そのコンサートの模様を収録したライヴ盤で、ドゥービー・ブラザーズ、ジェームス・テイラー、カーリー・サイモン、ブルース・スプリングスティーン、ライ・クーダー、ニコレット・ラーソン、CS＆N、トム・ペティ、ポコ、レイ・パーカー・Jr.＆レイディオ、チャカ・カーン、ジェシ・コリン・ヤング、スウィート・ハニー・イン・ザ・ロックら、豪華なアーティストが参加している。なお、これだけのメンバーが参加していることもあって、LPリリース時は3枚組（CDは2枚組）という大作となった。

エリック・クラプトンは長い活動を通してリスナーにさまざまな顔を見せてくれている。ヤードバーズからクリーム時代はブリティッシュロック・ギタリストとして頂点に君臨し、デラニー＆ボニーのバックを経てデレク＆ザ・ドミノズの頃はスワンプテイストのサウンドを提示してくれた。また、ヘロイン中毒に打ち勝って再起したソロ時代には、アメリカ南部をモチーフとしたレイドバックサウンドを構築している。70年代中頃から終盤にかけてのクラプトンが好きな人も結構多いのではないだろうか。特に『461オーシャン・ブールヴァード』（’74）、『安息の地を求めて（原題：There’s One In Every Crowd）』（’75）、『エリック・クラプトン・ライヴ（原題：E.C. Was Here）』（’75）、『ノー・リーズン・トゥ・クライ』（’76）、『スローハンド』（’77）、『バックレス』（’78）までの一連のアルバムはどれも水準が高い。クリーム時代の鋭く繊細なギタープレイが好きな人には物足りない面もあるだろうが、それらの作品ではブルースだけでなくカントリーやゴスペルなどのアメリカンルーツ音楽を彼なりに消化したもので、彼のオリジナリティーを感じさせる円熟したサウンドであった。今回は、なかでも彼のメロディーメイカーぶりが発揮された『スローハンド』を取り上げる。

ルーツロックは文字通り、ブルースやカントリーなどのアメリカンルーツ音楽に根ざしたロックのことである。そもそも50年代に登場したロックンロールという音楽自体がブルースやR&B、カントリーのフュージョンであるだけに、なぜルーツロックと呼ぶのかは、若い人にはなかなか分かりにくいかもしれない。60年代の中頃になると、ロックはどんどん進化しルーツ的なロックは影を潜め、サイケデリック、プログレ、ハードロックなど、新しいロックのスタイルが次々と現れるようになる。それらの多くは“ロック”そのものに影響されていることで、ロックの原点が見えにくくなってしまっていたのだが、ザ・バンドやデラニー＆ボニーといったグループはR&Bやカントリーなどをモチーフにした先祖返り的（もちろん先進性は兼ね備えている）なサウンドであったにもかかわらず多くのファンを獲得する。彼らはカントリーロックやスワンプロックの先駆けとなり、彼らに影響を受けた後進のアーティストのサウンドをルーツロックと呼ぶようになったのである。アメリカではルーツロックはいつの時代にも繰り返し再生されている。今回取り上げるウォールフラワーズは、ジェイコブ・ディラン率いる90sを代表するルーツロックグループのひとつで、本作『ブリンギング・ダウン・ザ・ホース』は名曲満載の傑作である。

グレイトフル・デッドのジェリー・ガルシアをはじめ、スティックスのトミー・ショウ、元イーグルスのバーニー・レドンなど、ブルーグラス出身のロッカーは多いが、中でもバーズのギタリストとして、そしてスタジオミュージシャンとして多くのアルバムに参加したクラレンス・ホワイトは、トップアーティストのひとりであった。バーズ解散後の1973年7月15日、クラレンスは新たに結成したグループの公演が終わって機材を車に積み込んでいた時に、飲酒運転の車に追突され亡くなってしまう。まだ29歳であった。今回取り上げるのは、彼の死の半年ほど前に録音された『ミュールスキナー』というセッションアルバム。参加メンバーはクラレンスの他、ピーター・ローワン、リチャード・グリーン、ビル・キース、デビッド・グリスマンの5名で、ジェリー・ガルシアやマリア・マルダーのバックで知られるジョン・カーン（Ba）とL.A・エクスプレスのジョン・ゲラン（Dr）がサポートメンバーとして加わっている。

デイヴ・メイスンの才能が開花するのは、コロンビアレコードに移籍して初のリリースとなる4thソロアルバム『忘れ得ぬ人（原題：It’s Like You Never Left）』（’73）からである。ブリティッシュロッカーならではの陰影のある曲想とアメリカ西海岸の明るいサウンドが同居したサウンドが独壇場で、特に、ジム・クルーガー、マイク・フィニガン、リック・イエーガーといった馴染みの顔ぶれが揃った５thアルバム『デイヴ・メイスン』（’74）からライヴ盤の7thアルバム『情念（原題：Certified Live）』（’76）までが全盛期と言えるのではないか。今回取り上げる『アローン・トゥゲザー』（’70）は、当時は新興レーベルのブルーサムレコードからリリースされた彼のデビューソロアルバム。コロンビアレコードではポップロックのアーティストとして成功したわけだが、その前に在籍していたブルーサムレコード時代はスワンプロックのテイストにあふれたサウンドで勝負していたのである。リリースされた当時、アメリカのアーティストたちをバックに迎えてスワンプロックをやること自体が珍しかったが、本作を皮切りにエリック・クラプトンの『エリック・クラプトン』（’70）やジョージ・ハリスンの『オール・シングス・マスト・パス』（’70）など、ブリティッシュ・スワンプのアルバムが次々にリリースされ、後のブリティッシュロックシーンに大きな影響を与えることになる。

スコットランド出身の、それも白人ばかりのソウル／ファンクグループがアメリカでチャートの1位になることなど、アベレージ・ホワイト・バンド（“平均的な白人バンド”という人を食った名前／以下、AWB）が登場するまでは誰も想像できなかっただろう。彼らの2ndアルバム『アベレージ・ホワイト・バンド』（‘74）に収録された「ピック・アップ・ザ・ピーセズ」は全米のラジオ局から火がつき、インストナンバーであるにもかかわらず大ヒット、ポップチャートで1位、R&Bチャートでも5位となる。しかし、大ヒットの直前に創設メンバーのロビー・マッキントッシュ（Dr）が、ドラッグのオーバードーズで亡くなるという不運に見舞われる。ファンクグループにとってドラムはグループの要だけに活動の継続が危ぶまれたが、代わりに参加した黒人ドラマーのスティーブ・フェローニはマッキントッシュよりもグルーブ感に長けた重量級プレーヤーで、AWBはさらに飛躍することになる。今回紹介するアルバムは、彼らの3rdアルバムとなる『カット・ザ・ケイク』。チャート的には前作と比べると振るわなかったが、アルバムの充実度は本作のほうが上で、ブリティッシュファンクのみにとどまらないAWBの都会的なソウル感覚は多くの後進グループに影響を与えた。